...un Chitarrista; Cantautore e Scrittore Italiano. E' stato chitarrista e compositore dei CCCP e dei successivi CSI.

Ma Massimo Zamboni e’ “soltanto” questo?

Diciamo pure che sarebbe abbastanza, considerando il valore di “alcune” opere che ha ideato, realizzato e prodotto sotto le sigle sopra citate (gli album "Affinita' e divergenze tra il compagno Togliatti e noi" o "Kodemondo", tanto per fare due esempi esplicativi, sono pagine di Storia "nostra").
Ma e’ il suo contributo allo sviluppo della Musica italiana di questi ultimi trent’anni che lo rende ormai quello che in Giappone chiamerebbero un Mukeibunkazai ("Tesoro Culturale Nazionale"); e perche' no, una voce enciclopedica!
Ironia a parte e’ bene dire che con i CCCP, gruppo (post) punk emiliano nato alle soglie degli anni ottanta, Zamboni ha firmato alcune delle canzoni piu’ importanti di quel periodo e della musica italiana nel suo intero, regalandoci degli album estremamente particolari e bizzarri. Il loro stile era una sorta di punk isterico, fatto di improvvisi cambi di umore e sonorita’, arricchito da melodie mediorientali, canti popolari sovietici, cori delle mondine, ritmi e danze da balera romagnola... Insomma niente di mai sentito prima in Italia. Su tutto la voce unica, sgraziata e ammaliante, schizofrenica e irritante, fascinosa e urticante di Giovanni Lindo Ferretti; un po’ poeta maledetto, un po’ muezzin, un po’ dilettante al microfono. Autore delle liriche piu’ pregne di significato e influenti, nel campo della letteratura applicata alla musica e ai testi di una canzone, mai pubblicate prima. Dopo i C.c.c.p., con i C.s.i., i due hanno proseguito il loro cammino, insieme, cambiando e perdendo alcuni pezzi per strada (i performer , da loro ribattezzati “artisti del popolo” , Fatur e Annarella) aggiungendone di piu' o meno preziosi: citiamo Gianni Maroccolo, Ginevra Di Marco, Francesco Magnelli, il compianto Ringo De Palma, Giorgio Canali.
Un pochino in piu’ di agiatezza, rispetto certamente agli esordi "punk", sopraggiunta con il successo negli anni '90, li ha leggermente irrigiditi, ne ha smussato le parti piu’ velenose e caustiche del loro carattere. Questa trasformazione li ha resi pero’ nel frattempo anche piu’ popolari, piu’ forti, piu’politically correctly. Piu’ lungimiranti e se vogliamo talvolta anche troppo di manica larga, soprattutto in merito a certe loro amicizie, per alcuni del tutto sbagliate, con certi personaggi del mondo dello spettacolo; spesso paradossalmente scelti proprio tra gli emblemi di una sottocultura da loro sempre criticata. E poi le loro apparizioni in tv, alcuni passi falsi nelle loro pubblicazioni, il successo, i flop, la chiusura... fino all’abbandono a se stessi, finche’ la barca va... (ci sentiamo di citare in questo senso i pretenziosi e imbarazzanti tentativi dei P.g.r., venuti dopo i C.s.i.).

E' da qui, o quasi, che comincia la carriera solista di Zamboni.

Nel 2004 - citiamo sempre l’ineccepibile Wikipedia - ha pubblicato l'album “Sorella sconfitta” realizzato con Nada, Lalli, Fiamma Fumana e il soprano Marina Parente (...). Ha realizzato per il cinema diverse colonne sonore quali: "Passano i soldati" di Luca Gasparini, "Benzina" di Monica Stambrini, "Velocita' massima" e "L'orizzonte degli eventi" di Daniele Vicari.
Zamboni ha intrapreso, almeno fino a oggi, un cammino totalmente diverso dalla sua controparte storica Giovanni Lindo Ferretti che ha scelto invece un ritiro radicale o quasi dalle scene; ritrovando una vena artistica ancora fertile e produttiva, non solo come musicista ma anche come eccellente scrittore. Sempre Wikipedia ci dice che sino a oggi ha pubblicato tre libri, uno dei quali con Giovanni Lindo Ferretti: "In Mongolia in retromarcia" (Giunti Editore) nell' anno 2000. Gli altri sono "Emilia parabolica" (Fandango) nel 2002 e "Il mio primo dopoguerra" (Mondadori) nel 2005.

Quest’ultimo, donatoci da Massimo, si rivela come una sorta di meta-diario dell’autore stesso. Suddiviso in tre parti e’ dedicato a tre citta’: Berlino, Beirut, Mostar. Si capisce subito, scorrendo il libro, che per lo scrittore questi tre “centri umani” sono distanti soltanto apparentemente e geograficamente. Al contrario, infatti, si rivelano tre citta’ fortemente vicine, per la loro essenza e per la loro storia, all’animo e allo spirito dell’autore/narratore/protagonista del testo. E' lui stesso, in prima persona, che osserva queste tre citta’ (anche visitandole e soggiornandoci!) e le fa interagire nel testo come tre luoghi geografici, tre poli culturali e umani, tre citta’ “madre”; l’autore ha legato indissolubilmente le proprie esperienze e la propria coscienza ad esse. Sente in profondita' il loro modo di trasformarsi, i loro conflitti interiori, nel tempo e nello spazio.

Il disco “l’inerme e' l'imbattibile” (che vuole probabilmente parafrasare proprio un passaggio dal libro sopra citato, nella parte dedicata a Beirut; il libro stesso si rivela un ottimo compendio per comprendere il senso di quest'opera ) e’ un progetto realizzato con il patrocinio della Regione Emilia Romagna e con la collaborazione di molti artisti (citiamo Nada, Nabil Salameh, Marina Parente). Si compone di un cd, un dvd (con un bel documentario realizzato con il supporto di Stefano Savona) e un libro. Dobbiamo ammettere che eravamo piuttosto scettici nei confronti di questa opera; soprattutto in base a quanto detto sopra e per i giudizi che circolavano in rete e sulla carta stampata. Ad ascolto fatto, “l’inerme e' l'imbattibile” ci sembra un opera tanto ambiziosa quanto convincente. Anche se inevitabili sono i confronti con quanto fatto sinora dal proprio autore. Tanto che a tratti il disco risulta una sorta di suo zibaldone artistico.
Non c’e’ da stupirsi allora se durante il suo ascolto si incappasse in degli ovvi deja’ vu; che si riuscisse improvvisamente a intravedere lo “spettro” di Ferretti nella voce di Zamboni (“Persona non grata”); che le chitarre ancora sfavillanti e melodiose ci riportassero alla memoria i C.s.i. (“Prove tecniche di resurrezione” e la coda di “Don' forget”). Ma se questi sono dei “limiti” e’ bene considerarne anche i pregi: intanto per cominciare la fine tappezzeria elettro(nica)acustica che l’autore sceglie per le proprie composizioni, interessante anche se talvolta gia’ sentita (“Gloria gracile”); poi le voci, non soltanto la sua o quella di Nada ma anche quella di una cantante lirica; le bass line molto trip hop (“L'ovvio diritto al nucleare di una vergine iraniana” con uno sfondo che sembra rubato da un pezzo “mai scritto” dei Massive Attack!), la poesia cubista e romantica di Zamboni nei suoi testi. Tutto cio’ confluisce in un disco molto ricco; un po’ patinato, certo, punto di arrivo di un (cantante) autore capace ancora di sorprenderci e di deliziarci.
Tutto sommato “l’inerme” e’ un bell’oggetto sonoro e visivo, incartato e impacchettato per il piacere nostro e di chi vorra’ dedicargli, anche soltanto per pura e semplice curiosita’, un ascolto appassionato.
In Italia, ci sentiamo di consigliarlo soprattutto a chi ha amato fino a oggi la collaborazione Zamboni-Ferretti, nei tempi in cui era ancora un matrimonio (artistico) navigato ma felice; in Giappone, a chi invece vuole partire dall’alto di una montagna (la lunga carriera e la decennale esperienza dell’autore) e scendere piano piano a valle, oltre, verso il mare: alla scoperta di un Emilia per niente “paranoica”(*).

(*) nota per chi siavvicina per la prima volta al mondo dei CCCP: “Emilia paranoica” e’ un brano storico dei vecchi CCCP, caratterizzato da un suono molto cupo e da un testo estremamente nichilista. Oggi Zamboni ha decisamente ammorbidito questo sound e alleggerito in parte i toni della sua poetica anche se rimane un musicista artisticamente e socialmente sempre molto impegnato e una figura di riferimento).

Abbiamo fatto una chiacchierata con Massimo che ci ha raccontato un pochino di lui, del suo passato, delle proprie esperienze come musicista e artista e soprattutto del suo presente come compositore, solista, scrittore e "essere umano".

Caro Massimo Vorrei fare innanzitutto una tua presentazione, anzi falla tu: Chi e' "Massimo Zamboni" secondo Massimo Zamboni?

Ho cominciato a suonare seguendo un percorso di salvezza personale, per una esigenza di vita piu' che di arte. A una eta' in cui allargare la frattura tra il se' che si vorrebbe e la costrizione sociale che ti circonda e opprime diventa un imperativo assoluto. Ho avuto fortuna, gli incontri e le possibilita' ricevute mi hanno lasciato seguire questa strada. Che e' diventata man mano piu' consapevole del carattere universale, salvifico, appunto, di questa ricerca. Fondare un gruppo come CCCP-Fedeli alla Linea, fondarlo su una urgenza immediata in una terra come l’Emilia Romagna che ha nella sua storia tutta la passione, gli ideali e le sconfitte suscitate dall’esperienza socialista del ‘900, significava prendere coscienza di chi si e', da dove si viene. Suonare “punk filosovietico”, significava inventarsi uno strumento di opposizione agli stilemi del rock e all’immaginario filoamericano. I successivi CSI, molto piu' popolari di CCCP, sono stati un allargamento di queste “istruzioni per sopravvivere” e un aumento della coscienza della possibilita' di affrontare il nostro mondo con gli occhi dell’arte. Poi e' cominciato un percorso solista, che continua a indagare, con musica e scrittura, alcuni temi cardine del nostro vivere assieme: la sconfitta, l’inermita', la grande forza della irripetibilita' individuale e allo stesso tempo la serialita' del nostro esserci. Forse scrivo canzoni d’amore, senza un corpo fisico.

Che cosa distanzia l’essenza dei tuoi lavori piu' recenti (come solista) da quella dei tuoi vecchi progetti: musicalmente, esteticamente e concettualmente parlando?

Il mio percorso assomiglia sempre piu' alla mia natura. Lavorare da solo ti sprofonda in un viaggio ben piu' profondo di quello offerto dalle dinamiche di gruppo. Dinamiche ricche, grazie alla diversita', ma che prima o poi si cristallizzano necessariamente in un punto di incontro che rende sterili. Essere soli non e' garanzia di per se', e fare musica non puo' essere una attivita' solitaria. Cosi' sono i compagni di strada, gli incontri casuali, spiazzanti, quelli capaci di dare nuovo fiato alla creativita'. C’e' una “ferocia” negli obiettivi di un gruppo, che non sono in grado di sostenere, mi sento piu' adatto ai percorsi di deriva.
Mi sento un isolato. E’ un momento molto difficile per la cultura italiana, la musica in particolare e' una disciplina inesistente, svilita, divisa tra piccole parrocchie e sogni di gloria. Credo che la musica debba saper fare i conti con la storia, e non con la musica, per ritenersi sensata. Certo, ci sono canzoni anche fulminanti, ma durano un attimo. E gruppi interessanti, ogni tanto... ma a me interessa altro, senza alcuna sciocca superiorita', non riesco a trovare “colleghi”. Amici si, certo, e persone che stimo: Nada, Saro Cosentino, Wolfango... Altre potenzialita' interessanti, Offlaga Disco Pax, Le Luci della Centrale Elettrica

Quanto ritieni importante per lo sviluppo e la prosperazione dei tuoi progetti (allora come oggi) la componente live, l’esibizione dal vivo, il rapporto diretto musicista-fruitore? Ti sei esibito all’estero come solista, all’interno di altri progetti o in collaborazione con altri artisti? Hai in programma di raggiungere anche il Giappone?!

Molto importante, l’appartenere allo stesso spazio mentale e' insufficiente, senza la condivisione dello stesso luogo fisico. Il guardarsi negli occhi, le 2 chiacchiere veloci dietro il palco sono lo stimolo ulteriore per andare avanti. Io scrivo in Italiano, forse suono anche in Italiano, e come solista non sono mai stato all’estero. Il Giappone sarebbe un buon sogno, forse uno tra i pochi paesi dove sarebbe possibile oltrepassare la barriera delle lingue con immediatezza

Parlaci dei dischi, tra quelli che hai inciso sotto diverse sigle, che ritieni fondamentali nel tuo percorso artistico sino ad oggi.

Il primo 45 giri di CCCP, in vinile rosso, del 1984,"Ortodossia". Poche canzoni di punk filosovietico, dai titoli che sono gia' un programma: Live in Pankow, Spara Jurij, Punk Islam. Nasce tutto da li, da quelle intuizioni.

"Linea Gotica", di CSI, il farsi carico della storia, capire il proprio segmento storico e portarlo in musica.

Sorella Sconfitta, il mio primo album da solo, il primo sprofondamento personale dentro la condizione umana nella sua nudita', il carattere collettivo e salvifico della sconfitta

Raccontaci invece della tua attivita' come scrittore. Dove si concilia con il mestiere di musicista e compositore e dove invece diverge e prende altre strade.

Scrivere e' una estensione del suonare, e' un altro ritmo, tutto diverso; e' un mestiere solitario fino alla fine. Al contrario della musica, dove le canzoni sono gia' contenute in potenza nei primi accordi, ogni pagina e' una sorpresa, e' una deriva del pensiero e questo e' molto simile a me. Le note corrono via e sono inafferrabili, le parole possono essere trattenute, restano a lungo... Sento tutta la responsabilita' delle parole che scrivo, sono tutte pensate a lungo e discusse tra me. Non sono un narratore, ne' in musica ne' in scrittura, se devo raccontare una persona, come una situazione, non parto mai dalla pelle, ma da quello che c’e' sotto. Purtroppo scrivere chiede tempi lunghi, e' quasi un lusso poterseli concedere.

Che cosa ne pensi a proposito dell’immagine del nostro paese e della sua fama all’estero; e in contrapposizione, della realta' tangibile e della vera essenza dell’Italia attuale; quanto di tutto questo e in che misura si riflette sul prodotto artistico dei tuoi progetti, oggi?

Questa e' una delle centralita' del mio lavoro, e della mia vita. Provo quotidianamente sulla pelle e nei pensieri la frattura e l’imbarazzo tra le tensioni alle quali tu alludi nella domanda, e questa italianita' di melassa del "volemose bene", e dell’italiano "brava gente" e' una oppressione, in quanto carattere nazionale. Mi sento spesso come un esule in patria. Ho scritto su questi stimoli una canzone per il film Il mio paese di Daniele Vicari, si chiama La Mia Patria Attuale, dove alla “grande cecita'” in cui siamo costretti a vivere sento di dover opporre una crescente “passione accesa”

Che idea hai invece tu del Giappone?

Conosco poco del Giappone, per una sorta di “timore sottopelle” per una visceralita' che non so spiegare meglio. Ne sento il grande fascino, e amo l’essenzialita' e la coerenza di certe linee. Quei mondi interi resi con un solo dettaglio minimo... li sento molto vicini al mio procedere, ne ho anche descritto nel libro Il Mio Primo Dopoguerra. Ricordo un musicista anni ’70, Stomu Yamashita, ovviamente conosco Ryuichi Sakamoto, l’immancabile Banana Yoshimoto, ma confesso di conoscere poco altro.

Ti ringrazio molto per questa preziosa chiacchierata.

Massimo parlando di una sua visita ai villaggi Chatila e Sabra (Palestina):
...Si impara a sopportare e condividere il sorriso dei profughi, che "buca" una possibilita' di vita quotidiana, dobbiamo condividere i "Riprendi me!" urlati alle telecamere, con un sorriso e il pollice al petto. Ogni sorriso declama: "Io esisto". L'inerme e' imbattibile. Ogni sorriso e' una pratica di resistenza.

da Massimo Zamboni , il mio primo dopoguerra, Mondadori, 2005.

Myspace:
www.massimozamboni.it
www.inerme.it
www.myspace.com/massimozamboni

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Leonardo: Voi siete orgogliosamente toscani, della Versilia, giusto? I giapponesi, purtroppo ( e lo dico sinceramente perche’ mi piace molto la vostra zona, in particolare l’aria decadente e magica che si respira a Viareggio, in qualsiasi stagione, ma anche l’entroterra alle sue spalle che torno a visitare sempre, quando sono in Italia) non conoscono molto bene questa zona della Toscana offuscata dalla fama turistica di altre citta’ della regione... blando campanilismo a parte, che cosa vorreste dire a dei potenziali visitatori giapponesi, della vostra terra?

Fabio: Si noi siamo toscani, non esattamente versiliesi anche perche' nemmeno Viareggio a dirla tutta sarebbe Versilia, ma di quella zona compresa tra Versilia storica (Pietrasanta), il mare di Viareggio, il lago di Massaciuccoli (Puccini!) e le colline che ci separano da Lucca. Di Massarosa, nati tutti all'ospedale di Viareggio a pochi metri dal mare, tranne Giovanni Butori (il bassista) che e' di Lucca e che noi usiamo come anticorpo [:-)] visto che esiste un blando campanilismo che ci oppone ai “bigotti” lucchesi raccontati anche nella canzone “baciapile” e una differenza (oltreche' una profonda diffidenza) che definirei culturale da quell'ambiente “urbano” che la citta' di Lucca da secoli rappresenta anche iconograficamente, cinta dalla sue mura che la separano dal mondo e che ne hanno protetto piu' idealmente che praticamente il sistema di potere economico, politico ed ecclesiastico. Mi dilungo un po' su questo argomento per raccontare, della terra che ci ospita, uno dei tratti che io credo piu' importanti e piu' peculiari: la controversia, la sua alterita'. Come anche tu ricordi, uno dei fascini preminenti della Versilia e' la decadenza, che ha catturato negli anni molti viaggiatori anche importanti, che fra le altre cose ne hanno determinato la sua popolarita' internazionale, ma e' la controversia di questa terra la ricchezza piu' grande o che perlomeno merita di essere portata in salvo come una cosa mai conciliata. Nel giro di pochi chilometri si dipanano: Pietrasanta citta' d'Arte, l'alta Versilia dei cavatori e delle roccaforti anarchiche, le Alpi Apuane, il turismo alto borghese di Forte dei Marmi, la natura dimenticata della palude intorno al Lago di Massaciuccoli, la Viareggio della satira popolare del Carnavale, i cantieri per sceicchi, i bagnanti della domenica. Popolare e borghese, polvere e pepite, nazional popolare e underground, sacro e profano, solidarieta' e violenza. Per me e' una terra di sangue, di limite iscritto nelle mani di questa gente stretta tra la montagna e il mare. E se il paesaggio, le cose buone da mangiare e da bere, la storia ne giustificano una visita anche disintossicante dallo stupore prevedibile di Piazza dei Miracoli consiglio di fare un giro in questi posti d'inverno magari a carnevale per vedere i carri allegorici di cartapesta e come dice una famosa canzone del carnevale viareggino (il carnevale) “... ci dona per un mese l'illusion che tutto 'il mondo e' fatto di carton” ecco, forse potrebbe essere un buon inizio per un giapponese.

Leonardo: La componente live, l’esibizione dal vivo, il rapporto diretto musicista-fruitore, che ruolo e che importanza ha per voi? Mi sembra di capire che avete accompagnato l’ultimo tour di Vasco Rossi, in giro per l’italia...come e’ nata questa possibilita’ e come descrivereste questa, credo, importante esperienza? Avete in programma in futuro, sulla base del seguito che state riscontrando, di esibirvi in altri nazioni (se si, dove?) e di allargare i vostri tour in altri paesi?

Fabio: Per piu' di dieci anni abbiamo suonato (e lo facciamo tuttora) nella nostra sala prove, una stalla abbandonata che noi stessi abbiamo risistemato. Ci si trova una o due volte a settimana e si suona. Ci si incontra la', fare la musica e' stato un modo per stare insieme, per non perdersi, non solo tra noi cinque ma anche con gli amici che ci seguono da sempre. Come imparare a parlare una lingua, andare nei luoghi dove si parla e' un po' liberarla e un po' impararla di nuovo, riconoscerla. Fare ascoltare la propria musica e' cosi. Saremo fortunati e felici di poterla praticare il piu' possibile. Suonare, per noi, e' dal vivo. Il nostro produttore si chiama Guido Elmi e in Italia e' famoso per essere il produttore di Vasco Rossi. Per aiutarci nella promozione dell'album ha chiesto all'entourage di Vasco di farci aprire due date del tour estivo, loro hanno accettato e noi abbiamo suonato. Per esterina e' stata l'esperienza della dismisura. Da 10 persone a 50.000 in un pomeriggio e' stata un'esperienza di cui ancora non ci rendiamo bene conto, e di cui nessun manuale di apprendimento pratico aveva fin'ora parlato. Di sicuro c'e' che ci ha cambiati. Per una serie fortuita di casi abbiamo anche aperto la prima data del tour europeo di Neil Young e l'unica data italiana dei Chicago. Abbiamo notato che la nostra musica ha avuto un riscontro positivo presso il pubblico straniero presente e quindi noi siamo stati molto contenti, e' una cosa molto bella poter parlare a delle persone che non conoscono la nostra lingua ma riconoscono nella nostra attitudine musicale qualcosa che li riguarda.
Suonare all'estero per un gruppo italiano non e' facile, non solo per la lingua ma perche' il nostro paese non ha e non mantiene un sistema culturale all'interno del territorio nazionale, figuriamoci se possa averne delle propaggini all'estero anche solo d'impresa culturale. Il nostro e' un mestiere del sopravvivere prima di tutto ma ci piacerebbe molto poter portare la nostra musica all'estero. Vorremo mandare il nostro disco ma anche tutta la produzione di video che abbiamo realizzato a qualche istituto di cultura italiana, per esempi a S.Francisco vivono molti massarosesi chissa' se saranno interessati?

Leonardo: Le domande che seguono sono un po’ una sorta di “provocazione”. Una specie di questionario alla marzullo che “sottoponiamo” un po’ a tutti gli artisti che ci hanno concesso un incontro.



In Giappone c’e’ uno stereotipo piuttosto diffuso sugli italiani e sull’italianita’; un modello culturale e sociale italiano che e’, nel bene o nel male, nell’immaginario di un po’ tutti i giapponesi, dall’uomo della strada all’intellettuale di nicchia; si riassume in una definizione in tre parole: ”mangiare, cantare, amore”. La diffusione e la prosperazione di questo tipo di fama e' dovuta in parte anche un po’ a noi italiani che siamo qui; soprattutto a chi di noi ( escludo gente tipo stragisti e pseudo esuli politici come Zorzi, purtroppo anche loro qui in Giappone) e’ in contatto diretto con il “pubblico” giapponese, attraverso l’insegnamento o i media.

Quanto vi sembra vero di questa definizione degli italiani e quanto vi riconoscete, se vi ci riconoscete, in questo “modello” come italiani e come artisti italiani?

Fabio: Non credo nello slogan anche se ne comprendo il senso, perche' e' sempre strumentale. L'Italia e' un paese anomalo e gravemente malato a ogni livello della vita pubblica, solo i parlamentari italiani assumono portaborse a nero e poi legiferano in tema di lavoro nero e per nessuno e' motivo di scandalo. Solo a Napoli si fa una manifestazione contro un campo Rom che rimbalza su tutti i media nazionali perche' “attenta alla sicurezza della citta'” quando la citta' e' una discarica e muoiono di morte camorrista centinaia di persone all'anno, bambini inclusi. Io credo alle storie singolari, alle persone. Credo che l'Italia sia molto di questo, della bellezza che resiste nelle persone e nei luoghi che nei millenni hanno saputo rendere meraviglie. Credo che questo sia il presente possibile in tutti coloro che sono in grado individualmente e senza far parte di un sistema vero di portare la verita' nella loro vita. Mio padre fa il fabbro, c'e' un detto dalle nostre parti che dice: se vuoi pati' le pene dell'inferno fa il fabbro d'estate e il muratore d'inverno. Come mio padre, molti della sua eta' nel nostro paese (sessantacinque anni) dopo aver lavorato un giorno intero e magari 10 o 12 ore fanno i turni alla Misericordia del paese (una sorta di pubblica assistenza che ha le ambulanze con i medici a bordo coordinate da un centro nazionale sanitario che localmente ha una sede a Viareggio) chi il telefonista, chi il barelliere, chi l'autista. Spesso fanno la notte e se devono fare un intervento (a volte due) stanno via delle ore e quindi la notte non si dorme ma la mattina si torna al lavoro. Ecco questa per me e' l'Italia, di persone che fanno le cose senza guadagnarci niente e in un modo normale. Secondo me e' rischioso metterli nel mucchio dello slogan, dell'etichetta, quando lo si fa e' sempre per denigrare non per raccontare. Come sarebbe ingiusto dire che i Giapponesi sono dei “mangiabalene” oppure, per esempio in questo momento sono in Abruzzo, a pochi metri da dove mi trovo ci sono i trabocchi, delle costruzioni tradizionali situate sulla costa per la pesca, non pescano quasi piu' nulla perche' poco lontano nelle acque internazionali i pescherecci giapponesi pescano molto di piu' e piu' in fretta di qualsiasi altro sistema, impoverendo il mare adriatico, la stessa cosa succede in Sicilia con i tonni. La legge glielo consente. E' una questione di forza. Ma non credo possa bastare a definirli come usurpatori. Non credo che si possa definire gli americani come degli assassini anche se la guerra e' una prassi per mantenere la loro economia e quella che loro chiamano democrazia. E' la civilta'. Sono un sistema, l'Italia e gli italiani degli outsider senza regole, E' per questo sopravvivono in un paese che non esiste e di cui non m'importa molto di per se, in quanto tale, la patria come la famiglia per me non sono un valore ma un'esperienza.

Leonardo: Se ci fossero le possibilta’ che cosa vorreste esportare di voi, della vostra arte e dell’Italia in Giappone?

Fabio: Non credo spetti a me a dirlo pero' visto che me lo chiedi, in qualche modo vorrei che si potesse apprezzare la nostra inconciliata corrosivita'. Ecco questo.

Leonardo: Che idea avete invece voi del Giappone? Se vi interessa, per quale motivo? Conoscerete sicuramente la musica moderna giapponese o altre forme d'arte di questo paese. Prescindendo dalle distanze culturali e fisiche che separano i due paesi quali progetti o autori giapponesi preferite o vi sembrano interessanti (non so, vi cito ad esempio il cinema o il fenomeno culturale e mediatico degli anime, la letteratura...)? Vi hanno in qualche modo o qualche volta ispirato?

Fabio: Per noi il Giappone e' veramente un posto molto lontano e credo in gran parte sconosciuto. La cosa che mi incuriosisce di piu' e' la capacita' della societa' giapponese di essere onnivora, far coabitare nello stesso luogo tradizione, istanze ultrapop, influenza europee colte, trash. Sono curioso di capire come succede cosa e' che favorisce questo processo.
Non credo di poter dire di essere stato influenzato dalla cultura giapponese anche se ho letto qualcosa di Mishima, ho seguito con interesse la vicenda artistica di Sakamoto e conosco un po' di musica giapponese, forse la cosa che ci ha influenzato di piu' pero' pensandoci e' la tecnologia che in quel paese e' stata prodotta e dalla quale tutti dipendiamo: Korg, Yamaha, Roland, Zoom, Takamine e molti altri sono i marchi che da sempre sono nella nostra sala prove e senza i quali faremo della musica profondamente diversa.

Mi fermerei qui, non vorrei impegnarvi oltre. Grazie ancora a nome del nostro centro.

Sito ufficiale e myspace:
http://www.esterina.it/
http://www.myspace.com/esterinaspace

Opera rock dai forti connotati “hard”. Ma in questo molta e’ (l’auto) ironia che il gruppo infonde a questo disco, affilati e urticanti entrambi. Un album fatto di urgenze espressive, che non sceglie scorciatoie, tanto nella forma (i suoni) quanto nei contenuti (le liriche). Citiamo qualche titolo, tra quelli che ci sono sembrati i piu’ interessanti; una sorta di “manometri” a indicare la pressione di un album costantemente sull’orlo del collasso e con pochi istanti di respiro: il rock raggrumato e cafone di brani come “Tutti gli uomini del presidente”, lascia al posto alle fantasie visionarie e orchestrali, ricche di scampoli di elettronica e fiati di “Musa di nessuno” o di “Dove si va da qui”; e poi la ballata sballata, con tanto di cori gospel , “Orchi e streghe sono soli”; tutto questo per rituffarsi nel clima visionario della sarabanda "finto-rock", dislessica e travolgente, di “Neppure carne da cannone”.

I milanesi ammazzano il sabato - titolo che mai come di questi tempi ci e’ parso tanto azzeccato per un’opera (d’Arte) quanto bellissimo se scelto per questo disco - mette in fila quindi una serie di poesie urbane con afflato bukovskyano, senza orpelli o fantasmi letterari a cui render conto. Il disco e’ il punto di arrivo, nel 2008, di una band mutante, come poche in Italia, e anche per questo da considerare tra i pochi progetti di facile esportazione e di largo consenso anche all’estero (ricordiamo il loro recente tour in America e la produzione di John Parish). Ma non per questo chini a chissa’ quale cliche esterofilo di sorta. Gli Afterhours, pur con le loro stranezze e i loro umori, rimangono un gruppo rock, nel senso classico del termine; indisciplinato e (sempre) sorprendente.

“mediocri in salvo - di tutto il mondo - ovunque siate - ego vi assolvo”

(Manuel Agnelli, “E’ solo febbre”)

Sito ufficiale e myspace:
http://www.afterhours.it
http://www.myspace.com/weareafterhours

...del nostro paese, oggi. Questo forse anche grazie ad una maggiore autoderminazione nelle nuove generazioni di musicisti - chi lo sa - soprattutto contro le “lobby” di alcune delle grandi major della musica. Certamente supportati anche dall’aiuto delle infinite’ possibilita’ offerte dai mezzi tecnici disponibili oggi - i computer, internet ecc. - e certamente dagli effetti, quelli positivi, della globalizzazione. Tante realta’ si schiudono come i cento fiori di Mao, in tante province italiane: dalla Sicilia dei Marta sui Tubi all’Emilia Romagna dei Penelope sulla Luna passando ancora, ad esempio, per il sud con i pugliesi il Quartetto L’Escargot. I Camera 66 provengono da queste scene. Sono una di queste voci, fin troppo poco nel coro, semplicemente brillanti. Parliamo un po’ del loro disco: inutile negare le influenze orgogliosamente e intelligentemente assimilate e riproposte in chiave locale nella loro musica: su tutte, ci sembra, certo suono della Chicago anni ’90 (alcune coordinate, ad esempio: David Grubbs e il suo folk-rock cubista , la classe dei Tortoise piuttosto che l’immediatezza della musica dei June of 44). Ma tutto cio’ e’un loro pregio e non un difetto o un limite; ci si rende conto, attraverso questo e molti altri importanti particolari della loro musica (tra cui l’uso totalmente originale della voce e delle parole) che forse “questi italiani” fanno veramente sul serio per uscire dai propri confini nazionali e autopromuoversi coraggiosamente, accanto ad artisti di altri paesi. C’e’ dell’altro in “In sospeso”: ad esempio, tanta elettronica, usata con gusto ed equlibrio. Un disco sobrio, un tantino troppo elegante, che si lascia ascoltare . Non e’ vecchio, gioca su linguaggi espressivi diversi e ci fa sperare nel futuro della musica italiana: un futuro non necessariamente fatto anche di bravi copisti sempre chini pero’ a modelli stranieri o con una insuperabile venerazione (che nel frattempo sembra essersi trasformarta in irrecuperabile e sterile soggezione!) nei confronti dei mostri sacri nostrani e dei loro inarrivabili "capolavori".
Complimenti.

Abbiamo rivolto alcune domande ai Camera 66; sono stati gentilissimi e cosi chiacchierando ne e’ venuta fuori una interessante mini intervista:

Avete dei punti di riferimento anche puramente ideali e che anche senza accorgervene confluiscono nella vostra musica...
I nostri attuali punti di riferimento sono Tortoise, Autechre, Gastr del sol, Pink Floyd di “Meddle” o meglio del “Live a Pompeii”, Fennesz, Alva Noto + Ryuichi Sakamoto. In effetti i riferimenti piu' comuni che ci hanno affibbiato nella maggior parte delle recensioni si fermano alle “apparenze” e ad un ascolto superficiale che appunto si limita a delimitare un quadrato di puro post-rock che comunque non mancava nei primo mesi di prove, e che non neghiamo di aprezzare; ma da allora, come ben hai carpito tu, altre sonorita' come quelle citate sopra hanno avuto la meglio proprio per la loro dinamicita' e apertura, cosa che il post-rock non ha, anzi purtroppo alla lunga risulta aime' statico e ripetitivo. L’assurdo sta nel considerare Tortoise, Fennezs, Gastr del sol e addirittura il progetto Alva noto + Ryuichi Sakamoto post-rock. Quindi che significa post-rock? Il nostro tentativo e' quello di mischiare diversi linguaggi come l’elettronica, il pianismo classico, incastri ritmici quasi progressive (quasi), psichedelia e le parole in un armonia (un equilibrio) che, sia musicalmente che narrativamente, aspirano all’avanguardia del 900, cioe'al tentativo di unire musica e parola senza schemi di genere. Questo e' quello che proviamo a fare e che ci piacerebbe arrivare a suonare...poi vedremo...vedremo...

Che cosa significa il titolo del vostro disco...come lo spieghereste ad un pubblico non italiano...tradurlo letteralmente, ad esempio in giapponese, non ne spiegherebbe, credo, le sfumature che gli avete voluto dare.
In sospeso pu' significare: una situazione non definita e non definitiva; tesa emotivamente; un istante precedente un avvenimento non chiaro ma atteso. Qualcosa di simile...piu' o meno...

Sceglieteci nel vostro disco una canzone e una frase nei testi che piu' vi rappresenta o ha un messaggio importante per voi.
Come brano scegliamo la title track “In sospeso” il brano meglio equilibrato. La frase piu' significativa e' nella seconda traccia (“Tutto e’ bene quel che finisce”) e dice: “Tutto quello che non sai e’ importante...dubitare per capire”. Cercare di svegliarsi da questa “lobotomizzazione” mediatica e questa standardizzazione culturale. Ricordando che conoscere e interrogarsi e' il miglior modo per capire, scegliere e riconoscersi realmente in cio'che si pensa e si crede.

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Ciao Gio, Ciao Carmelo e Ciao Ivan...
Che cosa significa veramente “Marta sui Tubi”? Quale significato o quali significati avete voluto dare a questa scelta? E perche’ avete pensato e poi deciso “Sushi e coca” per il titolo del vostro prossimo disco?
Gio: Il nome e' venuto fuori da una serata alcolica in cui io e Carmelo, il chitarrista, dovevamo assolutamente scegliere un nome per il nostro neonato progetto musicale fino ad allora senza nome, in quanto il proprietario del locale nel quale dovevamo suonare voleva fare delle locandine per pubblicizzare il concerto e gli serviva il nome. Tutto quello che abbiamo saputo tirare fuori quella sera fu Marta sui tubi. A me all’inizio quel nome non piaceva e lo accettai con riserva con la condizione che l’avremmo cambiato quando ne avremmo trovato uno che ci convincesse di piu’. In quel concerto pero’ molta gente ci fece la tua stessa domanda: “che significa marta sui tubi ?” cosi capimmo che quel nome destava curiosita’ e alla fine decidemmo di tenerlo. A quel punto non ci rimaneva che dargli un significato ex post o trovare una spiegazione. L’idea fu quella di dire in giro che Marta era una ragazza che ci contendevamo entrambi senza saperlo e una volta scoperta la tresca ci spiegammo, picchiandoci in un cantiere dove c’erano dei tubi. Tanto stupida la storia, tanto clamore fece presso i primi intervistatori che incontrammo per il nostro album di debutto. Il nome del nostro prossimo disco “Sushi e coca” e’ il titolo di una canzone che fara’ parte dell’album. Parla di Milano, la citta’ dove vivo, e dipinge uno stile di vita che comprende anche il cibarsi di sushi (cibo qui italia considerato esotico e in quanto economicamente caro, anche d’elite) e fare uso di coca (a te l’onere di interpretare se il riferimento e’ diretto alla bevanda o ad altro).
Carmelo: Marta sui tubi e’ l’alternativa ad un nome che inevitabilmente ci avrebbe fatto diventare ricchi e famosi e di cui non possiamo parlare per un voto fatto davanti alla statua di Ricky Gianco.

Se doveste consigliare un vostro disco ad un vostro nuovo ascoltatore giapponese, da quale vorreste che iniziasse e perche’? E insieme al vostro (o ai vostri) cd, quali altri titoli italiani secondo voi non dovrebbe assolutamente perdersi?
Gio: Sicuramente dal prossimo, perche’ e’ il piu’ sperimentale di quelli finora realizzati. E’ il disco che secondo me si fa ascoltare meglio rispetto agli altri soprattutto da un ascoltatore che non puo’ capirne le parole. Anche se la parte testuale nelle nostre canzoni e’ un elemento fondamentale, in questo disco la musica fa la parte del leone e tutte le canzoni possono essere apprezzate anche solo per la loro costruzione strutturale. Altre band che mi sento di consigliare? Teatro degli orrori , Disco Drive, Paolo Benvegnu'.
Carmelo: Potrebbe partire dal nostro primo disco, sicuramente la cosa migliore che abbiamo mai fatto! Altri titoli italiani che consiglierei sono: Uochi Toki, Benvegnu’, Gigi e La Pallottola (!?) eccetera.

Molti giapponesi leggendo di voi, scoprendo che siete siciliani doc ma che vivete e lavorate fondamentalmente tutti a Milano si chiederebbero allora che cosa ci fate in una citta’ cosi lontana dalla vostra terra di origine? Da queste parti la Sicilia e’ molto apprezzata e decisamente in risalita tra i gusti dei giapponesi nel turismo e per la cultura italiana. Che cosa ci potete dire di questa cosa?
Gio: In realta’ sono solo io che vivo a Milano, Carmelo vive a Bologna e Ivan sta a Bergamo. Viviamo tutti comunque lontani dalla nostra terra natia perche’ da quelle parti non c’e’ una industria discografica ne’ locali o strutture che ti permettono di intraprendere una carriera artistica professionale. Milano invece e’ il centro dell’industria discografica e tutto quello che accade li, si reverbera in tutto il territorio nazionale. La Sicilia comunque rimane nel nostro cuore e quando ci e’ possibile torniamo, soprattutto d’estate, per goderci quegli spazi sconfinati e quella luce che piu’ di ogni altra cosa ha influenzato il nostro essere uomini e musicisti.
Carmelo: Prima o poi torneremo a vivere tutti e tre in Sicilia, stiamo solo usando il nord (ahahahah!!!!!) proprio per poterci permettere una dignitosa vecchiaia nella nostra terra di origine.
Ivan: il Giappone e la Sicilia sono entrambi isole, terre di filosofi e di contraddizioni...

La componente live, l'esibizione dal vivo, il rapporto diretto musicista-fruitore, come per altri artisti italiani mi sembra sia fondamentale per voi. Soprattutto con il vostro pubblico in Italia. Avete in programma in futuro, sulla base del seguito che state riscontrando, di esibirvi in altri nazioni (se si, dove?) e di allargare i vostri tour in altri paesi? Sogno:...riusciremo a vedervi anche qui in Giappone?!
Gio: Fino ad ora non abbiamo mai suonato all’estero. Ci sono arrivate delle proposte ma non se ne e’ fatto ancora nulla. Molta gente ci dice che la musica potebbe essere bene apprezzata anche all’estero ma andarci a suonare senza una distribuzione discografica e senza una minima distribuzione comporterebbe piu’ un costo che un effettivo vantaggio. Per tutti noi il sogno piu’ grande sarebbe quello di fare un tour internazionale ma siamo un gruppo indipendente e possiamo contare solo sui nostri contatti e non su quelli di una multinazionale che ci promuove all’estero. Chissa’!

Ivan: il sogno sarebbe nostro, sia perche’ il “pubblico” nippo e’ uno dei piu attenti alle novita’ ed alle innovazioni in musica; sia per poterlo finalmente visitare.
Carmelo: Non vediamo l’ora di venire in Giappone e chissa’ che questa non sia la volta buona!

Il nuovo disco ”Sushi e Coca” che mi dicevate uscira’ a ottobre, e’ prodotto da Taketo Gohara. Raccontateci un po’ di questa collaborazione; qualche informazione sul signor Gohara; perche’ avete deciso di lavorare con lui eccetera eccetera.
Gio: Taketo lo abbiamo conosciuto tramite dei nostri amici musicisti. Lui aveva lavorato con loro e a noi piaceva il sound che aveva dato a quelle produzioni. Poi abbiamo scoperto che era un nostro fan e in qualche modo si e’ imposto a noi come produttore mostrando un entusiasmo tale per la nostra musica che ci ha conquistato. Poi e’ una persona molto calma e razionale che bene si combina alle nostre indoli esuberanti e tendenti allo sclero. Con il suo lavoro e la sua personalita’ ha fornito un punto di equilibrio importante che ha influenzato non poco il nostro ultimo lavoro.
Ivan: Taketo e’ stato sin da subito sulla nostra lunghezza d’onda cercava di ottenere da noi intensita e passione piu’ che robe perfettine per enfatizzare l’atmosfera live delle esecuzioni in presa diretta.
Carmelo: Taketo...quanti ricordi!

In Giappone c’e’ uno stereotipo piuttosto diffuso sugli italiani e sull’italianita’; un modello culturale e sociale italiano che e’, nel bene o nel male, nell’immaginario di un po’ tutti i giapponesi, dall’uomo della strada all’intellettuale di nicchia; si riassume in una definizione in tre parole: ”mangiare, cantare, amore”. La diffusione e la prosperazione di questo tipo di fama e' dovuta in parte anche un po’ a noi italiani che siamo qui; soprattutto a chi di noi e’ in contatto diretto con il “pubblico” giapponese, attraverso l’insegnamento o i media. Quanto vi sembra vero di questa definizione degli italiani e quanto vi riconoscete, se vi ci riconoscete, in questo “modello” come italiani e come artisti italiani?
Gio: Sono tre fra le cose possono rendere un uomo felice. E non solo un uomo italiano. Da noi si usa dire: canta che ti passa, ed e' una cosa vera. La musica e soprattutto il cantare fornisce una via di sfogo ai pensieri scuri che ogni tanto offuscano le giornate. Per quel riguarda l’amore e il cibo... Piu’ ce n’e’ meglio e’. Lo stereotipo e’ sempre dietro l’angolo ma va bene cosi. Gli stereotipi sono come i soprannomi, vengono attribuiti a chi presenta peculiarita’ forti e distintive che trasmettono carattere. Ma non si possono scegliere, sono l’abito che qualcuno ti ha cucito addosso per evitare di vedere le tue parti peggiori!

Se ci fossero le possibilta’ che cosa vorreste esportare di voi, della vostra arte e dell’Italia in Giappone?
Gio: di noi tutto, dell’italia ti dico invece cosa non esporterei: il vaticano, la classe politica e la burocrazia.
Carmelo: ommioddio!!!! Sono un italiano!

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Entriamo con occhio clinico in questo disco: chi segue la musica italiana da sempre si accorge che potrebbe essere un’instantanea sullo stato attuale del pop nostrano.

La poetica dei Baustelle e’ un concentrato di raffinato cinismo; subliminale come gli effetti dell’assenzio; dolcemente iniettato nelle quindici tracce del disco. I veleni contenuti in queste musiche aggrediscono con non scalance le orecchie e la mente dell’ascoltatore; questo soprattutto attraverso le liriche agrodolci di Francesco Bianconi, interpretate tanto dal leader maschile (dal cantato talvolta un po’ salmodiante e umorale come Battiato, altre volte profondo e avvolgente come De Andre’) quanto dalla voce sensuale della tastierista, Rachele Bastreghi. Gli arraggiamenti vantano poi, questa volta, una produzione pressoche’ impeccabile (a cura degli stessi Baustelle e in collaborazione con Carlo U. Rossi, gia’ importante produttore nella scena indie italiana, dagli anni ottanta a oggi) ricchi di arrangiamenti orchestrali che accompagnano e interagiscono con il rock sofisticato e patinato dei Baustelle. Numerose le collaborazioni, doveroso citiare almeno il Maestro Alessandro Alessandroni (il famoso fischio, ma non solo, nelle celebri colonne sonore di Morricone per i film western di Sergio Leone) l’ Orchestra d'Archi Edo Dea Ensemble di Edoardo De Angelis e Silvia Catasta diretta da Fabio Gurian, una sezione fiati, il musicista etiope Mulatu Astakte, Sergio Carnevale (gia’ nei Bluvertigo ) Beatrice Antolini, l’arpista e percussionista Beatrice Martini e molti altri.

“Intanto Dio guardava il Figlio Suo E in onda lo mando'”.

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Definire una canzone “da spiaggia”, a noi italiani fa immaginare o intendere una canzone facile da canticchiare, che tutti ricordano, di facile orecchiabilita’. Una di quelle canzoni che magari d’estate, qualcuno, imbracciando la chitarra, inizia a intonare mentre gli amici, intorno a un falo’ in riva la mare, lo seguono canticchiandone le parole o alcune frasi che, per forza di cose, per amore o per odio, sono rimaste nella memoria collettiva.

Che la musica italiana, tradizionalmente, e che percio’ anche le canzoni delle Luci della centrale a loro modo, abbiano nel loro dna una orecchiabilita’ latente, non e’ un mistero. Non dimentichiamo poi che Vaso Brondi accompagna la sua voce solo con una chitarra (e qualche scampolo di elettricita’ ed elettronica). Far seguire pero’ a “canzoni da spiaggia” l’aggettivo “deturpata” fa presaggire a un qualcosa in piu’...ma entriamo nel disco e parliamone un po’.

Non un collettivo, come il nome suggerirebbe, ma ma bensi una vera e propria one man band. Ad una ascolto piu’ attento pero’ ci si accorge che il disco, pur essendo firmato dalle Luci, ha in realta’ alle spalle una produzione eccezionale, molto piu’ complessa di quanto non sembri, anche se mai troppo invadente: tanti e importanti sono infatti i suoni sparsi, le sottili architetture di chitarre elettrificate, i borbottii acustici dei bassi, i tamburi e le piccole diavolerie elettroniche disseminate, educatamente, nelle dieci tracce del disco dal nume tutelare e co-produttore di questo disco, Giorgio Canali (Rosso Fuoco, P.R.G., C.S.I.). Tutto questo a fare da sostanzioso contorno alle ballate per voce e chitarra di uno degli ultimi cantautori italiani, forse il primo, grande, di questo nuovo secolo. Che poi questo Vasco Brondi, meglio conosciuto con il nome del suo progetto Le luci della centrale elettrica, sia giovanissimo, ventiquattrenne, ferrarese (proveniente cioe’ non da una di quelle citta’ italiane che soltanto grazie alla fama conclamata delle loro scene musicali e dei loro artisti sdoganerebbero il disco, subito, lanciandolo nello star system ufficiale) non sono che particolari trascurabili. La sua adolescenza e probabilmente i suoi primi ascolti saranno stati segnati da alcuni importanti eventi ed e’ facile immaginarne qualcuno: negli anni novanta, nella musica italiana, scomparivano alcuni grandi (pensiamo ad esempio a Battisti, nel 1998 o a De Andre’ , nel 1999); la cosiddetta new wave italiana era gia’ storicizzata e anche il cantautorato assumeva forme nuove ed interessanti, opinabili o meno.

Vasco, con disinvoltura, estro e intelligenza riesce a creare e a manifestare nella propria musica un rapporto esclusivo, tutto per se’, diretto e di non subordinazione, con i maestri prima di lui ai quali, in parte, si ispira. Omaggia Rino Gaetano, ad esempio, soprattutto nel suo modo di cantare e nella visionarieta’ della sua poetica: nei versi bellissimi di “Nei garage a Milano nord” in cui, in coda, inserisce, in punta di piedi, un trasparente cut up a rievocare alcuni passaggi di “Il cielo e’ sempre piu’ blu” (n.b. celebre brano di Rino Gaetano). Ma anche per Vasco come per il compianto Rino, che soleva cantare di una realta’ amara tentando di esorcizzare l’essenza piu’ negativa e insofferente della societa’ umana stessa, il cielo e’ in verita’ “sempre piu’ grigio”.

Nelle sue “canzoni deturpate”, cantate a squarciagola, con rabbia e disincanto, con i nervi scoperti, con il cuore in mano, l’Arte e’ nel suo momento di piu’ alta ispirazione; mentre il corpo, quello dell’artista stesso, vive momenti anche di indigenza, di difficolta’ nel rapporto con il presente, per la sopravvivenza, nella lotta con le leggi di mercato che inquinano l’Arte stessa. Vittima e compartecipe della crisi del mondo circostante e in particolare del proprio paese sempre piu’ in mano ad una lobby di manigoldi, l’Artista osserva e racconta il degrado della societa’ e dell’ambiente in cui (soprav)vive. Non puo’ non emergere quindi anche il problema dell’autoaffermarzione e dei tortuosi percorsi che la impediscono. Vasco canta di questo e di molto altro, parlando soprattutto e in fin dei conti d’amore, trasfigurando paesaggi urbani gia’ di per se’ astratti e malcelatamente inospitali. La sua poesia rivela una visionarieta’ maggiore e abbastanza diversa dai declami sarcastici e diretti, non privi pero’ di autoironia, sviluppati nella scrittura post-storicista di Max, mente e voce dei contemporanei Offlaga Disco Pax.

Nonostante questo, il suo stile, talvolta onanistico e viscerale, con l’uso di un linguaggio a tratti fortemente introspettivo e simbolista, risulta pero’ di una straodinaria comunicativita’.

Un poeta, si...uno degli ultimi.

Grazie di esistere.

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